mercredi 01.11.23 > mercredi 15.11.23
18h00 > 22h00
Erwin Wurm
Dans le cadre de l'HETEROTOPIA - l'exposition phare de la Biennale de l’Image Tangible 2023
ERWIN WURM
Né en 1954 à Bruck an der Mur (Autriche). Vit et travaille à Vienne. Sculpteur à l’origine, Erwin Wurm introduit la notion de temps par le biais de la photographie. « Quand j’ai commencé à travailler, ce qu’on entendait traditionnellement par sculpture était une chose en 3 dimensions qui devait durer éternellement. Mon sentiment était que la sculpture pouvait aussi ne durer que quelques instants. J’ai donc fait des photos de ces moments-là, et je considère que ces photos sont aussi des sculptures ». En se servant du corps humain – et notamment du sien – comme matériau, en utilisant des objets du quotidien, en faisant du temps une dimension essentielle de son travail photographique et vidéo, il a remis en question les fondements de la sculpture – Comment créer une sculpture qui ne soit ni figée dans le temps, ni dans l’espace ? Une sculpture peut-elle devenir un objet quotidien ? « One Minute sculpture », devient alors le titre générique de ses oeuvres : Erwin Wurm les réalise en invitant une personne, à suivre un protocole simple, en se mettant par exemple en situation temporaire avec un vêtement ou un objet. Erwin Wurm interroge également dans ses sculptures, les apparences et la réalité qu’elles masquent : le sens de la possession et de l’accumulation. Il développe des recherches sur le processus de création, basées sur les transformations des formes et du poids. Il crée ainsi d’étranges objets ou encore des personnages rendus difformes, exagérément boursouflés, à la limite de l’éclatement.
HETEROTOPIA
Pour l’Exposition Phare 2023 de la troisième édition de la Biennale de l’Image Tangible nous nous laisserons porter par le vent de la légèreté, de l’absurde et de la dérision. Comme un antidote aux sombres prophéties qui nous submergent, nous allons savourer l’impertinence de ceux qui ne voient pas tout en noir. De ceux qui savent infléchir la réalité et nous transporter avec leur fantaisie au-delà des angoisses contemporaines. Mais loin de tout discours et de toute morale, cette posture artistique souligne en creux l’état de désespoir de nos sociétés et la nécessité de le combattre avec discernement. Et nous en avons besoin. Avec la fin des idéologies et l’absence de toute perspective positive, l’imaginaire de notre époque s’est soudainement obscurci au point de se projeter dans des futurs sombres et des univers contre-utopiques. Non pas que d’autres raisons ne manquent pour alimenter cette noirceur parmi lesquelles la crise climatique, les guerres et la récente épidémie, reste que le pessimisme s’est durablement installé dans les esprits. Dans ce contexte, beaucoup d’artistes se sont recentrés sur des recherches formelles souvent portées par le champ considérable qu’offrent les nouvelles technologies. D’autres documentent et font œuvre de la catastrophe à venir, mais l’absence de solutions et le repli sur soi caractérisent globalement notre époque. Exit donc la révolution et ses promesses intenables, pour autant devons-nous nous contenter de solutions raisonnables ou ponctuelles pour réenchanter l’avenir ? Devons-nous croire aux promesses technologiques pour sauver le monde ou les adopter pour justement ne jamais se remettre en cause ? Les artistes de cette exposition phare ne posent pas le problème en ces termes, et si leurs œuvres semblent parfois déconnectées des problématiques actuelles, elles n’en abordent pas moins des sujets de genre, d’identité, de sexualité, de consommation et plus généralement de notre propre place dans le monde au sens métaphysique du terme. D’une grande diversité formelle, la forme couvre plusieurs registres, montage, installation, mise en scène, objets photographiques et implique de multiples techniques. Quand les œuvres d’Erwin Würm, Frédérique Daubal ou Roman Signer rivalisent d’imagination dans un registre loufoque, Tadao Cern préfère prélever sur le terrain et témoigner à la façon d’un reporter. Les installations de Sandrine de Pas, les découpages d’Amir Chasson ou les portraits de Nicolas Deville forment un corpus hétérogène et cohérent d’images provocantes et dérangeantes. Rachel Joode, Anne De Vries, Letha Wilson s’amusent à déconstruire notre perception de l’espace tant physique que mental, tandis que Manon Pretto, Oli Serenson, Marie Serruya investissent la technologie pour développer des univers où l’artificialité assumée de leurs pièces tient le rôle d’un miroir déformant de la réalité. Le travail de Lingfei Guan explore avec cynisme et une habile touche de kitch le fétichisme et l’érotisme asiatique. Philippe Katerine, connu pour ses performances musicales ou cinématographiques, met un pied dans le tangible en exposant une partie de son dernier projet plastique Le Mignonisme. Si la somme de tous ces regards forme un ensemble, c’est qu’il se démarque en plusieurs points des tendances actuelles. Par la présence humaine dans les œuvres mais aussi par l’engagement subtil que permettent justement l’humour et la désinvolture. A contre-courant donc, ce corpus relève du concept d’Hétérotopie cher à Michel Foucault[1]. Et cette exposition propose effectivement un espace autonome, loin des tendances, de la pensée dominante et des perceptions normées. Un espace de décompression où utopies et dystopies deviennent un peu plus tangibles.
